arte argentino y latinoamericano

"Memorial" de Camnitzer en el Parque de la Memoria

Fotografía de Claudia Contreras durante la inauguración de la muestra.

Luis Camnitzer

Uruguayo nacido en 1937 en Lübeck, Alemania, Camnitzer es una de las mentes más lúcidas del arte latinoamericano del último medio siglo. Actualmente reside en Nueva York, donde es profesor emérito del Departamento de Artes Visuales de la NYU. Artista, pedagogo y teórico, Camnitzer ha sido uno de los artífices de la consolidación de una interpretación del arte conceptual latinoamericano que se aleja de la hegemonía formalista norteamericana y plantea una raíz específica en relación a su contexto de origen.

Leer entre líneas

¿Pueden las páginas de una guía telefónica convertirse en un lugar de memoria?

Al intercalar alfabéticamente en la guía de teléfonos los nombres de las personas desaparecidas durante la dictadura militar en Uruguay, Camnitzer actualiza la experiencia de la ausencia física de cientos de personas y la denuncia por la falta de justicia ante su desaparición por parte del Estado .

En términos estéticos la operación es reductiva, austera; el gesto autoral, programáticamente mínimo y modesto. La elección del dispositivo a intervenir tampoco resulta inocente: Camnitzer literalmente “hace espacio” entre los nombres de los actuales ciudadanos uruguayos para introducir la presencia insoslayable de quienes fueron privados de sus derechos primero y de su propia vida después. En sintonía con una línea de trabajo que abarca ya cinco décadas, el artista concibe a la palabra como un elemento visual primordial en su propuesta y resignifica objetos y contextos de uso cotidiano al utilizarlos de manera no ortodoxa.

Si entendemos los contra-monumentos como instancias en las que la/s memoria/s no concluyen cristalizadas sino como procesos incompletos que acusan la mutabilidad de sentidos que otorgamos al pasado, podremos leer el Memorial de Camnitzer como un ejercicio antimonumentalista, una estrategia que intenta presentar lo inenarrable y brindar a los que ya no están, no un epitafio entre los muertos, sino un lugar entre los vivos.

Fue la historiadora del arte Andrea Giunta quien sugirió ciertas relaciones entre esta obra y el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado situado en el Parque de la Memoria en Buenos Aires . En efecto, tanto la pieza de Camnitzer como el MVTE se organizan cronológica y alfabéticamente en listados dinámicos, móviles, que permiten la inclusión de un nuevo nombre o la modificación de algún dato. Ambos, a su vez, se proponen como instancias abiertas e irresueltas que dan cuenta de la compleja tarea de recopilación de información sobre los desaparecidos debido a la metodología represiva utilizada por el terrorismo de Estado y de la condición de antimonumentalidad que ambos asumen, entendiendo ésta como una forma que no se clausura en sí misma.

Como toda práctica artística eficaz en términos éticos y estéticos, Memorial instala interrogantes. ¿De qué modo dar cuenta, desde el arte, de la condición de los desaparecidos? ¿Cómo sería la realidad política y social del Uruguay si estas personas estuvieran efectivamente al otro lado del teléfono? ¿Qué sucedería, tal como sugiere Mauricio Rosencof, si aquellos que figuran en la guía, y probablemente conocen el destino de muchos de los desaparecidos, hablaran?

Nosotros no podemos llamarlos, pero ellos nos llamarán por siempre sostiene Camnitzer, planteando así el compromiso que se asume cuando el pasado es apropiado desde una lectura del presente y con la mirada hacia el horizonte del porvenir. Si muchas de las lúcidas propuestas de Camnitzer plantean problemas en torno a los desfasajes y tensiones entre imagen y palabra, Memorial parece sugerir que la mejor forma de memoria siempre será la justicia.

Florencia Battiti

Curadora del Parque de la Memoria

La muestra podrá ser visitada hasta el 26 de junio del 2011, de lunes a viernes de 10:00 a 17:00 hs. La entrada es libre y gratuita.

Parque de la Memoria - Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado
Av. Costanera Norte Rafael Obligado 6745 / 4787-0999/6937
15-5037-6918
http://www.parquedelamemoria.org.

Más información:
Parque de la memoria
Una pieza para nunca olvidar

Oxígeno Cero - Riachuelo

El Riachuelo no es solo un río de ochenta kilómetros de largo. También es un símbolo de Buenos Aires. Atraviesa la historia de la ciudad, y la atraviesa geográficamente. Es centro y borde al mismo tiempo. Toda la mitología de la identidad porteña clásica pasa por el Riachuelo: la niebla, el barco que llega cargado de inmigrantes o que muere herrumbrado.
El puerto como lugar para empezar una nueva vida, como escenario para recordar el pasado, para escribir tangos.
La Boca se llama así porque es la Boca del Riachuelo: es el lugar por donde el río habla.
O por donde escupe.
En realidad, antes escupía: ahora las cosas pasan por su lecho como por la garganta de un muerto.
En casi todo su recorrido, el Riachuelo tiene 0% de Oxígeno en el agua. Está ahogado en si mismo, en gran parte gracias a las 4100 industrias que arrojan sus desechos sobre su cauce.

Ver video Oxigeno 0: http://www.vimeo.com/10809246

Este trabajo forma parte de E-co: http://www.fotoeco.es/

Fotogalería Oxígeno Cero

Cómo sobrevivir a orillas del Riachuelo

Las partículas que desprenden las chimeneas de las fábricas, producen picazón en el cuerpo. Luz de 11 años tiene varias marcas en brazos y piernas.

SUB - Cooperativa de Fotógrafos

La cooperativa de fotógrafos Sub retrata historias cotidianas de algunas de las 5 millones de personas que viven en la cuenca Matanza-Riachuelo, cuyas aguas carecen prácticamente de oxígeno. Vida privada y tragedia pública. Alfredo Clavijo vive frente al polo petroquímico Dock Sud y desde hace veinte años denuncia los efectos de la contaminación en el Riachuelo sobre la salud de los vecinos. Luz, una niña de once años, tiene el cuerpo con marcas por la picazón del humo que se desprende de 4100 fábricas que, además, arrojan sus desechos en ese cauce de La Boca. Marta, de Isla Maciel, lleva plomo en la sangre, como la mitad de los niños que viven allí, aunque las industrias insistan en que no lo utilizan. Las fotos que integran la muestra Oxígeno Cero –que se expone por estos días en la galería Arte por Arte, con curaduría de Victoria Verlichak– investigan la problemática de la contaminación en el Riachuelo, donde, justamente, el nivel de oxígeno en el agua es nulo por la saturación de residuos tóxicos. A contrapelo de los grandes relatos, los integrantes de la cooperativa Sub, responsables de este trabajo, se detienen más bien en el rastro palpable, pero muchas veces invisible, de la situación que denuncian: las historias de quienes viven a orillas del lugar. La investigación se realizó entre fines de 2009 y comienzos de 2010 por sugerencia del curador Claudi Carreras, que dirige el Encuentro de Colectivos Fotográficos Euroamericanos, en Madrid. Carreras le propuso a diversos grupos de fotógrafos trabajar sobre problemática medioambiental y mostrar después el resultado durante el Encuentro. Además, una de las fotografías (la del conventillo, que se incluye en esta nota) acaba de ser premiada en el marco del certamen Pictures of the Year International, que otorga la universidad de Missouri a trabajos fotoperiodísticos. “Oxígeno cero se detiene en el Riachuelo desde una perspectiva histórica, pero también indaga en las condiciones de salud en las que viven los vecinos de la zona y el modo en que una problemática sanitaria es, al mismo tiempo, social. En las vivencias cotidianas todos esos niveles de complejidad conviven y eso es lo que buscamos retratar”, explica Gabriela Mitidieri, una de las seis integrantes de Sub.

Ivana Romero, Tiempo argentino, 29 de Marzo de 2011

Oxígeno cero
en la galería arte por arte
Hasta el 30 de abril.

Tomado de: http://tiempo.elargentino.com/notas/como-sobrevivir-orillas-del-riachuelo

GAC - Grupo de Arte Callejero - por Joel Natali

“La memoria es la práctica de una ética. Una ética que está antes del hacer, antes de la historia, pero que sólo se muestra en ese hacer”.
Héctor Schmucler, "La memoria como ética"

Carlos Alonso y otros poetas - Lecturas paralelas, paralelos cantares

La pintura de Carlos Alonso como paralelo lenguaje de otros poetas; mutuas ilustraciones, concordancias y desarrollo de las propias concepciones. Dice Alonso (dicen los poetas): "Siempre entendí cuál era mi suerte: desentrañar la relación entre la pintura y la gente y la sociedad" (entre la palabra y ...).
Del trabajo de Alonso como ilustrador se destacan las obras realizadas para la lectura de Gelman y de Neruda, donde quizás las concordancias de vida hacen más nítidas las mutuas ilustraciones de los respectivos lenguajes, concordancias todas desde el sur de Latinoamérica hacia el centro del hombre, cielo y tierra tales como vividos, tales como soñados.

*Obras citadas:
Bajo la lluvia ajena - Juan Gelman; ilustrada por Carlos Alonso, Libros del zorro rojo, 2009
20 poesías de amor y una canción desesperada - Pablo Neruda; ilustrada por Carlos Alonso, Torres Agüero editor, 1974
Otras partes - Juan Gelman; poesía publicada en Hacia el sur, Marcha editores, 1982 y En abierta oscuridad, Siglo XXI, 1993

*Audio:
1) de Leo Maslíah (Uruguay), Concierto para guitarra y cuerdas (primer movimiento); guitarrista Eduardo Fernández, con la Orquesta Filarmónica de Montevideo.
2) Otras partes, leída por Juan Gelman, con ocasión del homenaje que el pueblo del Uruguay quiso ofrecerle en el teatro El Galpón de Montevideo, el 4 de abril del 2000.

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OTRAS PARTES
¿oíste/corazón?/nos vamos
con la derrota a otra parte
con este animal a otra parte
los muertos a otra parte
que no hagan ruido/callados como están/ni
se oiga el silencio de sus huesos
sus huesos son animalitos de ojos azules
se sientan mansos a la mesa
rozan dolores sin querer
no dicen una sola palabra de sus balazos
tienen una estrella de oro y una luna en la boca
aparecen en la boca de los que amaron
pasan noticias de sus sueños
arrastran sus lágrimas con un pañuelito detrás como barriendo el padecer
como no queriendo mojarlo
para que el padecer estalle y arda y haga asiento donde sentarse a pensar otra vez
nos vamos/corazón/a otra parte/
hace mal que no podás sacar los pies de la tristeza
aunque es tristeza que besa la mano que empuñó el fusil y triunfó
y tiene corazón y guarda en su corazón a una mujer y un hombre
pasando como tigres por el cielo del sur
una mujer y un hombre como tigres enjaulados en la memoria del sur
besando hijitos que nunca más van a crecer
compañeros que nunca más van a crecer y ahora cosen
la tierra al aire/cosen
tu corazón/corazón/sus animales/
una mujer y un hombre
caminando por el cielo del Tigre
como tigre que canta
vámonos con esta perra a otra parte
no tenemos derecho a molestar
nuestro solo derecho es empezar otra vez
bajo la luz del sol sereno
los límites del cielo cambiaron
ahora están llenos de cuerpos que se abrazan
y dan abrigo y consolación y tristeza
con una estrella de oro y una luna en la boca
con un animal en la boca mirando el centellear
de los compañeritos que sembraron corazón
y levantan su corazón ardiente
como un pueblo de besos

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*Notas (otras concordancias de América y del Plata).

El cuadro del Che, hecho por Alonso pocos días después de la muerte del Che (argentino cubano en Bolivia), estaba en la casa argentina donde en 1977 fue secuestrada Paloma, hija de Alonso; con ella, los grupos de tareas de la ESMA también secuestraron el cuadro; se logró recuperarlo y le fue entregado en el 2003 a Aleida Guevara, cubana, hija del Che.
Homenaje abrazo al Che y a Paloma.

Macarena Gelman García, uruguaya, es la nieta que pudo recuperar el poeta después de más de veinte años de búsqueda (2000). Sus padres argentinos, María Claudia y Marcelo (hijo de Juan Gelman) fueron secuestrados en 1976 y trasladados a Orletti. A Marcelo lo matan en 1976 y a María Claudia la trasladan embarazada a Montevideo. Macarena no sabe si su madre llegó a cumplir 20 años, sabe que un pueblo y su abuelo la estaban buscando.

Carlos Alonso - Paisajes Argentinos

Alonso Ilustrador (en formato pdf)

Antonio Berni - por Antonela Bracco

"El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor, de transmitir los años en arte.”

Antonio Berni, 1981.

Antonio Berni en tiempo presente - Cristina Rossi

Harold Bloom ha planteado que la obra de arte no es sólo un objeto, es también un “acto de lectura” que implica un posicionamiento frente a obras anteriores. Repetidas veces, Berni ensayó una cuidadosa genealogía de la que se derivaba su posición frente a la tradición. En 1940 escribió: “Nuestra tradición es Giotto, Leonardo, Goya, Cézanne o Picasso, pero también es en gran parte Pueyrredón y Pellegrini”. En este sentido, frente a una obra como Medianoche en el mundo, que pintó en 1936-37 tomando como fuente una composición realizada por Giotto en 1302-5, la guía de su palabra sólo confirmaría la admiración por el maestro del primer Renacimiento, sin aclarar mucho acerca del porqué de su elección en ese momento. ¿Cuáles eran los parámetros tomados para realizar ese “recorte”, según el concepto de tradición selectiva acuñado por Raymond Williams? ¿Cuáles eran los discursos latentes en la recuperación de ese modelo? La apelación a las fuentes italianas, ¿se vinculaba con los recorridos europeos de sus tiempos de estudio? ¿Respondía al planteo del grupo Novecento Italiano, cuyas obras se habían exhibido en la Asociación Amigos del Arte de Buenos Aires en 1930? Y, al mismo tiempo, ¿qué estrategias articulaba un artista proveniente de la izquierda al evocar una escena de la iconografía cristiana? ¿Cómo se posicionaba frente a las discusiones surgidas a partir de la imposición del realismo soviético?

Para leer más:

Fragmento de la introducción del libro Antonio Berni: Lecturas en tiempo presente, Eudeba y Eduntref, compilado por Cristina Rossi

Publicado en Página 12, Suplemento de cultura y espectáculos, 12 de octubre de 2010.

¿Tucumán sigue ardiendo? - Ana Longoni

"Vete y vete" (espejos)

Fotos del escrache a Jorge Héctor Vidal, médico torturador de la bonaerense

27 de diciembre de 2003

... "Podría continuar señalando diferencias o coincidencias formales, retóricas o discursivas entre las modalidades de acción y producción de los colectivos de arte actuales, y sus antecedentes históricos. Lo que no puede perderse de vista al emparentarlos es su manifiesto esfuerzo por poner en cuestión los límites legitimados del arte, su pretensión de expandir sus fronteras o directamente de abandonar sus territorios, al redefinir su actuación desde parámetros liberados de la carencia de función social a la que está condenado el arte en la modernidad. Más allá de las evidentes diferencias de contexto entre los ’60, los ‘80 y la actualidad, los hermana también esa voluntad manifiesta de que el arte incida sobre su entorno. Los riesgos de pensar un arte activo en los procesos de movilización, un arte que se reclama útil, no sólo chocan con la consolidada ideología del arte autónomo, sino también con el lugar decorativo o meramente ilustrativo habitualmente asignado al arte por la convención política. Desde este conjunto de prácticas, repensar el arte implica a su vez repensar la política. Ese riesgo es, pienso, el legado más sobresaliente de Tucumán Arde, su chisporroteo actual."

Para leer el texto completo:

¿Tucumán sigue ardiendo?

El Siluetazo y su legado - Ana Longoni

"La realización de siluetas es la más recordada de las prácticas artístico-políticas que proporcionaron una potente visualidad en el espacio público de Buenos Aires y muchas otras ciudades del país a las reivindicaciones del movimiento de derechos humanos en los primeros años de la década del ’80. Consiste en el trazado sencillo de la forma vacía de un cuerpo a escala natural sobre papeles, luego pegados en los muros de la ciudad, como forma de representar “la presencia de una ausencia”, la de los miles de detenidos desaparecidos durante la última dictadura militar" ...

Texto completo:
El siluetazo y su legado

Libro:
El siluetazo - Ana Longoni

A redoblar - Ayer-hoy - Uruguay

A redoblar (Mauricio Ubal y Ruben Olivera)

Interprete RUMBO

Laura Canoura, Gonzalo Moreira, Miguel López, Gustavo Ripa, Carlitos Vicente y Mauricio Ubal

Album: Para Abrir la Noche. 1980. Ayuí.

"Río de los pájaros (Aníbal Sampayo), Break It All (Los Shakers), Príncipe azul (Eduardo Mateo y Horacio Buscaglia), A redoblar (Rumbo) y Brindis por Pierrot (de Jaime Roos, interpretada por Washington "Canario" Luna). Antes de esas cinco canciones -dicen Claudia Abend y Adriana Loeff, directoras de la película "Hit"-, había Uruguay pero no había un país, porque el cancionero popular, por encima del accionar de próceres, literatos, mediocampistas y rufianes, es el que funda una nación".

Más información: http://www.hitlapelicula.com/

A redoblar , 2009

"Esta es nuestra manera de hacernos cargo de la voz.

Ser concientes del lugar que se ocupa.

Posicionarse.

Manifestarlo.

A través y a partir de cada producción.

Desconocer y adivinar efectos. Imaginarlos buenos.

Fomentar.

Explicitar nuevas subjetividades.

Formas de sentir.

Pensar. Hacer.

Hoy. Aquí.

Acción.

Repasar. Revisar. Reciclar. Reinventar.

Ser.

Hacer.

Verbo en infinitivo".

Valentina Prego, Mónica Navarro, Edgardo Davich Mattioli, Maia Castro, Carmen Pi, Marcelo Gamboa, Samantha Navarro, Patricia Kramer, Christian Cary

El arte en cuestión - Noé - Zabala

..."Como nos ha enseñado Borges, existe un error común en la práctica histórica que consiste en creer que se historiza el pasado cuando, en realidad, la única historia factible es la del presente. Quizás por eso no se equivocaba Hegel al pensar que la historia de la filosofía culminaba en él, como tampoco se equivocaron sus detractores, tiempo después, al señalar la existencia de una historia de la filosofía que lo superaba.

Lo cierto es que tanto la historia como la filosofía nos han enseñado a considerar a las obras del pensamiento como realizaciones precarias, motivos de la reescritura y la re-elaboración permanentes. “El pasado es arcilla que el presente labra a su antojo, interminablemente...”, decía el mismo Borges, para quien esa inestabilidad de lo transitado por el tiempo ejercía una especial seducción.

El siglo XX nos ha acostumbrado a la inconstancia de las construcciones intelectuales y de sus categorías. A la luz de sus incesantes marchas y contramarchas, la continua reconsideración de nociones teoréticas, sistemas, doctrinas, paradigmas, métodos y normas, no sólo se ha demostrado posible, sino también necesaria. El final del siglo no ha reducido ese impulso problematizador. Por el contrario, a pesar de las múltiples revisiones, existen aún innumerables conceptos por repensar y redefinir.

En este sentido, la tarea que emprenden Luis Felipe Noé y Horacio Zabala no es menor. Su voluntad por captar la naturaleza de la práctica artística contemporánea los introduce de lleno en un terreno movedizo al que no son ajenas la reflexión estética, la revisión de sus postulados y la relectura de los clásicos.

Sus conversaciones transitan por la creación y la recepción, el presente y sus antecedentes, la filosofía y la historia, con naturalidad pero con rigor."...

Para leer más:

NOE, Luis Felipe; ZABALA, Horacio "Prólogo", El arte en cuestión: conversaciones. Buenos Aires: Adriana Hidalgo, 2000

Ana Longoni - La teoría de la vanguardia como corset

GAC - "Anti-monumento a Julio Argentino Roca"

Más información - Anti-monumento a Julio Argentino Roca

Algunas aristas de la idea de “vanguardia” en el arte argentino de los 60/70

En los últimos años hay signos evidentes de la reapertura (no sólo local) de la pregunta sobre las relaciones entre vanguardias, arte, política y activismo. Cabría mencionar una nutrida serie de publicaciones, exposiciones, tesis, coloquios. La nota de Adrián Gorelik “Preguntas sobre la eficacia”,¹ escrita a propósito de la enorme repercusión pública de la retrospectiva de León Ferrari abierta en diciembre de 2004, puede tomarse como un indicio más de la actualidad de esos debates. El lugar en donde él coloca a las vanguardias argentinas de los años 60 (“escena primordial”, “ese núcleo mítico... con el cual cualquier reflexión sobre el arte y la política debe medirse”) pone de manifiesto la particular atención que ha concentrado ese momento del arte argentino, aunque elude considerar que las lecturas que circulan acerca de las vanguardias sesentistas no son unánimes sino que pugnan por definir el sentido de aquellas radicales prácticas.
En la trama de relatos que revisan aquellas experiencias, es que aspiro a intervenir con mi investigación acerca de las interrelaciones entre vanguardia artística y política radicalizada de los 60/70 en Argentina, a partir de la pregunta principal acerca de cómo se resolvieron en diferentes programas artístico-políticos muchas veces antagónicos los conceptos de “vanguardia” y “revolución”.[...]

Para leer el texto completo: Ana Longoni, La teoria de la vanguardia

Las huellas de la memoria en el espacio público.

Homenaje a los desaparecidos

El 9 de octubre se inauguró un reloj de sol en memoria de los desaparecidos durante la última dictadura.

Este proyecto, que se viene desarrollando desde el año 2008 en el área de derechos humanos de la Facultad de Arquitectura, propone vincular arquitectura, espacio público y memoria.

El mismo forma parte de una iniciativa más amplia de un grupo de sobrevivientes, familiares y amigos de detenidos desaparecidos desde el exilio, consistente en realizar un reloj de sol en cada ciudad del país.

Desde el año 1992 se vienen haciendo, con el apoyo de organismos gubernamentales y no gubernamentales locales, en las ciudades de Villa María, Gualeguay, Concordia y Santa Fe.

En la ciudad de Rosario, la localización se prevé en la Plaza Pocho Lepratti (Vélez Sarsfield y Liniers), reafirmando en este lugar paradigmático para la memoria reciente, la necesidad de velar por la defensa de los derechos humanos en democracia.

La construcción de este reloj fue posible gracias a un trabajo colectivo en el que participaron los adolescentes del taller de herrería de la Escuela Nazaret del Padre Edgardo Montaldo, los niños de la Escuela N° 84 José Mármol, los del Taller del Pasillo vinculados al bodegón cultural Casa de Pocho, Abuelas Rosario, vecinos del barrio Ludueña y los estudiantes que forman parte del área de derechos humanos de la Facultad de Arquitectura.

“Se constituye en otra oportunidad de contribuir desde la Universidad, a reafirmar la memoria colectiva frente a las violaciones a los derechos humanos”, expresó la directora del área, Arquitecta Alejandra Buzaglo.

Tomado de: http://www.unr.edu.ar/noticia/2940/homenaje-a-los-desaparecidos

Aproximación crítica a la condición humana en el contexto latinoamericano de hoy - Arte

Mi trabajo está en las páginas 896 a 902 de la publicación (en el extracto: 42 a 48)

El pps que acompañó a mi ponencia:

GAC - Grupo de Arte Callejero

[...] "A lo largo de los 90, década marcada por el desguace del Estado y la vacua ostentación de los 'éxitos' neoliberales del menemismo, emergieron algunos grupos aislados de artistas que promovieron acciones en la calle y también en espacios artísticos: En Trámite (Rosario), Costuras Urbanas (Córdoba), Escombros (La Plata), la Mutual Argentina y Zucoa No Es (Buenos Aires); y dos, que subsisten hasta hoy: el GAC (Grupo de Arte Callejero) y Etcétera, cuyos comienzos están fuertemente emparentados con la aparición de HIJOS, el organismo de derechos humanos que nuclea a hijos de desaparecidos, exiliados y militantes de los años 60-70, muchos de los cuales entraban a la edad adulta en ese entonces. Ambos grupos colaboraron activamente en la realización de los escraches, modalidad que surge para impulsar la “condena social” a los represores dejados en libertad o directamente no juzgados, a partir de las leyes de Obediencia Debida y Punto Final, y del decreto de indulto otorgado por Menem. El escrache da a conocer la identidad del represor, su rostro, su dirección, y sobre todo sus antecedentes represivos, entre los vecinos con los que convive o aquellos con quienes trabaja (habitualmente reciclado en empresas de seguridad privadas), que ignoran su prontuario.

Desde 1998, el GAC genera la gráfica de los escraches: son característicos sus carteles que subvierten el código vial, simulando ser una señal de tránsito habitual (para un espectador no advertido podrían incluso pasar desapercibidos) e indicando, por ejemplo, la proximidad de un ex centro clandestino de detención (“El Olimpo a 500 m.”), los lugares de los que partían los llamados “vuelos de la muerte” (los detenidos eran arrojados vivos al Río de la Plata desde aviones) o la demanda de juicio y castigo a los represores." [...]

Ana Longoni, "¿Tucumán sigue ardiendo?", disponible en http://www.arteamerica.cu/8/dossier/longoni.htm

GAC PENSAMIENTOS PRACTICAS Y ACCIONES (libro en formato pdf)